Bauhaus fue una escuela revolucionaria de arte, arquitectura y diseño fundada por Walter Gropius en Weimar, Alemania, en 1919.
👉Resumen de la Bauhaus
La Bauhaus fue posiblemente la escuela de arte modernista más influyente del siglo XX. Su enfoque de la enseñanza y de la relación entre arte, sociedad y tecnología tuvo un gran impacto tanto en Europa como en los Estados Unidos mucho después de su cierre bajo la presión nazi en 1933. La Bauhaus fue influenciada por corrientes artísticas del siglo XIX y principios del XX, como el movimiento de Artes y Oficios, así como por el Art Nouveau y sus numerosas variantes internacionales, incluyendo el Jugendstil y la Secesión de Viena. Todos estos movimientos buscaron nivelar la distinción entre las bellas artes y las artes aplicadas, y reunir la creatividad y la manufactura; su legado se reflejó en el romántico medievalismo del ethos de la Bauhaus durante sus primeros años, cuando se formó a sí misma como una especie de gremio de artesanos. Pero a mediados de la década de 1920 esta visión había dado paso a un énfasis en la unión del arte y el diseño industrial, y fue esto lo que sustentó los logros más originales e importantes de la Bauhaus. La escuela también es reconocida por su extraordinaria facultad, que posteriormente lideró el desarrollo del arte moderno – y el pensamiento moderno – en toda Europa y los Estados Unidos.
👉Ideas clave
- Los orígenes de la Bauhaus se remontan a finales del siglo XIX, en la preocupación por la falta de alma de la fabricación moderna y el temor a la pérdida de relevancia social del arte. El objetivo de la Bauhaus era reunir el arte y el diseño funcional, creando objetos prácticos con el alma de las obras de arte.
- Aunque la Bauhaus abandonó muchos aspectos de la educación artística tradicional, estaba profundamente preocupada por los enfoques intelectuales y teóricos de su tema. Se fusionaron varios aspectos de la pedagogía artística y del diseño, y se niveló la jerarquía de las artes que había existido durante el Renacimiento: la artesanía práctica -arquitectura e interiorismo, textiles y carpintería- se equiparó a las bellas artes como la escultura y la pintura.
- Dado el mismo énfasis que puso en el arte y la artesanía funcional, no es de extrañar que muchos de los logros más influyentes y duraderos de la Bauhaus se produjeran en campos distintos de la pintura y la escultura. Los diseños de muebles y utensilios de Marcel Breuer, Marianne Brandt y otros allanaron el camino para el minimalismo elegante de los años cincuenta y sesenta, mientras que arquitectos como Walter Gropius y Ludwig Mies van der Rohe fueron reconocidos como los precursores de un Estilo Internacional igualmente elegante que es tan importante en la arquitectura de hoy en día.
- El énfasis en la experimentación y la resolución de problemas que caracterizó el enfoque de la enseñanza de la Bauhaus ha demostrado tener una enorme influencia en la educación artística contemporánea. Ha llevado al replanteamiento de las «bellas artes» como «artes visuales», y a una reconceptualización del proceso artístico como más parecido a una ciencia de la investigación que a un tema de humanidades como la literatura o la historia.
👉Obras y artistas importantes de la Bauhaus
Las siguientes obras de arte son las más importantes de la Bauhaus – que tanto repasan las principales ideas del movimiento, como destacan los mayores logros de cada artista en la Bauhaus. No olvides visitar las páginas de resumen de los artistas que te interesan.
👉Globo rojo (1922)
Artista: Paul Klee
Descripción y análisis de obras de arte: Paul Klee fue uno de los artistas más talentosos y enigmáticos que se asociaron con la Bauhaus, un visionario cuyo trabajo combinó una asombrosa innovación formal con un curioso tipo de inocencia primordial. En este lienzo de 1922, se eligen delicadas y translúcidas formas geométricas -cuadrados, rectángulos y cúpulas- en colores primarios. Un único círculo rojo flota en la parte superior central, revelándose, a la vista, como el globo aerostático titular. Este florecimiento ilustrativo ejemplifica el uso caprichoso y asociativo de Klee de los arreglos geométricos por los que la Bauhaus se hizo famosa. En el lenguaje único del artista, el énfasis se desplaza sin descanso entre lo abstracto y lo figurativo, entre la asociación narrativa y el simbolismo esotérico. Las formas brillantes, que recuerdan al vitral, se colocan asimétricamente para crear un ritmo visual, conducido por líneas verticales, horizontales y diagonales, que parece ordenado y espontáneo.
Nacido en Suiza en 1879, Klee había estado asociado con varias agrupaciones expresionistas y modernistas en el norte de Europa durante los años 1900 y 1910, incluyendo el grupo Der Blaue Reiter, antes de tomar un puesto en la Bauhaus en 1921, enseñando pintura mural, vitrales, encuadernación y varios otros temas. Publicó sus clases de arte en su Pädagogisches Skizzenbuch (Cuadernos pedagógicos) (1925) en la serie Bauhausbücher. Comenzando por la línea «[a]n active line on a walk, moving freely, without goal «, esta obra adquirió una gran influencia, estableciendo, como dice el crítico Mark Hudson, «[la reputación de Klee] como uno de los grandes teóricos del arte moderno….[como] trató de analizar hasta la última permutación de sus líneas vagabundas». Para Klee, la línea, que se desarrollaba desde un único punto, era un agente autónomo, espontáneo, que a través de su movimiento forjó el desarrollo del plano. Esta metáfora de la germinación de la forma compositiva se convirtió en un principio fundamental de la filosofía de diseño de la Bauhaus, influyendo en muchos de los contemporáneos de Klee, entre ellos Anni Albers y Wassily Kandinsky, amigo de toda la vida de Klee.
La presencia de Klee en la Bauhaus desde 1921 hasta su renuncia en 1931 da la mentira de que los estereotipos de la institución están demasiado preocupados por la racionalidad y los métodos formales y áridos. La obra de Klee – tanto sofisticada como primitiva, figurativa y de otro mundo – tuvo un impacto notable en artistas posteriores en América y Europa, incluyendo a Jackson Pollock, Adolph Gottlieb, Robert Motherwell, Kenneth Nolan, Norman Lewis y William Baziotes. Como escribió Clement Greenburg en 1957, «casi todo el mundo, consciente o inconscientemente, aprendía de Klee».
👉Amarillo-Rojo-Azul (1925)
Artista: Wassily Kandinsky
Este complejo trabajo se articula en torno a tres áreas visuales clave, dominadas por las formas amarillas, rojas y azules respectivamente. Éstas, a su vez, forman dos zonas generales de atención visual, una a la derecha del lienzo, formada por la cruz roja y el círculo azul entrelazados, y otra alrededor del rectángulo amarillo a la izquierda, en relieve sobre un tono ocre más profundo. La variación en el peso visual y la posición en el espacio está implícita por los efectos del color y el sombreado, ya que la flotabilidad del amarillo contrasta con los tonos rojos más oscuros, profundizándose aún más en el púrpura y el azul. Un entramado de mallas rectas y curvilíneas interactúan a través del lienzo, como si se tratara de la batalla de energías que se establece entre los diferentes colores primarios.
Wassily Kandinsky nació en Moscú en 1866 y se estableció en Alemania antes de finales del siglo XIX, convirtiéndose en una figura clave en el desarrollo del expresionismo del norte de Europa en los años siguientes; su pintura de 1903 Der Blaue Reiter fue la inspiración del grupo artístico expresionista de ese nombre. Después de un período de seis años en la Rusia soviética donde terminó la revolución (1914-20), Kandinsky regresó a Alemania y comenzó a enseñar en la Bauhaus en 1922, momento en el que su obra había evolucionado hacia una forma más pura de abstracción. Como tutor en el curso preliminar, introdujo a sus estudiantes en el análisis de los colores primarios y la naturaleza de su interacción. En 1923, con la esperanza de establecer una relación cualitativa subyacente entre formas y colores particulares, desarrolló un cuestionario en el que se pedía a los participantes que rellenaran un triángulo, un cuadrado y un círculo con el color primario más apropiado. El triángulo amarillo, el cuadrado rojo y el círculo azul resultantes se convirtieron en un motivo clásico de la Bauhaus, que Kandinsky exploró y subvirtió en esta famosa obra, transformándola en una evocación lírica de la relación entre la expresión visual y la musical. Las mismas ideas informaron su famoso texto Point and Line to Plane (1926), influenciado por una nueva investigación sobre la psicología Gestalt, un tema de discusión clave en la Bauhaus en ese momento. Kandinsky estaba interesado en cómo ciertas combinaciones de color, línea y tono podrían tener efectos espirituales y psicológicos innatos, que a su vez estaban conectados con ciertos motivos musicales.
Sin embargo, como señala la historiadora del arte Annagret Hoberg, las connotaciones de esta pintura van más allá, abarcando ámbitos más figurativos: «[los] dos centros….conjuran asociaciones antropológicas. Mientras que en el campo amarillo se puede ver un perfil humano debido a la estructura de las líneas y los círculos, el entrelazamiento de la forma roja y azul con la diagonal negra recuerda el tema de la batalla entre San Jorge y el dragón» Tal vez sean estas asociaciones más humanas las que explican el estatus icónico de las pinturas abstractas de Kandinsky en la historia del arte moderno: como señala Hoberg, Amarillo-Rojo-Azul «influyó en el modernismo posterior, incluyendo, por ejemplo, la serie de Barnett Newman Who’s Afraid of Yellow, Red and Blue (1966-69).»
👉Silla de club (modelo B3) (La silla Wassily) (1925)
Artista: Marcel Breuer
La clásica silla Modelo B3 de Marcel Breuer es una versión revolucionaria de la clásica silla club tapizada del salón del siglo XIX, una elegante amalgama de tubos de acero inoxidable curvados y superpuestos, con paneles rectangulares de tela tensos que flotan como formas geométricas en el espacio. El propio artista describió la silla como «mi obra más extrema, la menos artística, la más lógica, la menos’acogedora’ y la más mecánica». Pero también fue su más influyente, ejemplificando los desarrollos innovadores en diseño funcional que estaban marcando la Bauhaus a mediados de la década de 1920. Ligero, fácil de transportar y de producir en serie, cumple con todos los requisitos de la filosofía de diseño de la escuela, sus componentes están dispuestos con una claridad que hace que su estructura y su propósito sean inmediatamente legibles.
Nacido en Hungría en 1902, Breuer fue uno de los miembros más jóvenes de la generación original de la Bauhaus. Dejando su ciudad natal de Pécs a la edad de dieciocho años, se matriculó en la nueva escuela revolucionaria de Gropius en 1920, convirtiéndose en uno de sus primeros estudiantes. Señalado como un prodigio, fue puesto a cargo de la carpintería, y después de una estancia en París regresó a la Bauhaus como profesor en 1925. Un ciclista comprometido, Breuer veía la bicicleta como el parangón del diseño moderno, y estaba fascinado por los manillares curvados de su bicicleta, hechos de un nuevo tipo de acero tubular desarrollado por la compañía manufacturera Mannesmann. Se dio cuenta de que el mismo material, que podía doblarse sin romperse, podía utilizarse en el diseño de muebles: el «sillón club» es en parte el resultado de este momento de inspiración. Para producir sus muebles a gran escala, Breuer fundó la empresa Standard Möbel en 1927. El nombre coloquial de la silla honra al pintor Wassily Kandinsky, quien admiró la pieza cuando la vio por primera vez en el estudio de Breuer.
Como señala el historiador del arte Seamus Payne, Breur’s fue «la primera silla con estructura de acero curvado… marcó el comienzo de una nueva era en el mobiliario moderno con un diseño que mantiene un aspecto progresista incluso hoy en día». Después de la Segunda Guerra Mundial, la firma italiana Gavina comenzó a producir la silla, asegurando su larga influencia en la historia del diseño, y la comercializó como la «Wassily Chair». En 1968, la empresa americana Knoll compró Gavina y comenzó a fabricar el modelo B3, que, como resultado, todavía puede adquirirse en la actualidad.
Acero cromado, tapicería de lona – Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
👉Un libro imprescindible si te apasiona la Bauhaus
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